日本映画批評家大賞第34回受賞作品

批評家コメント

　米アカデミー賞では、近年、マイノリティを主人公にした作品を意識的にノミネーションさせている。白人が主人公の作品が多い映画史の偏りを減らす為と、多様な世界を描くことの重要性に気づいたからである。確かに日本映画界もマイノリティに目を向けることを今まで怠っていた。そんな中、『ぼくが生きてる、ふたつの世界』は、本腰を据えてろう者とコーダの存在を綴った日本映画初の作品といえよう。

　ろう者はすべて当事者の俳優。きこえない親を持つコーダの青年役を吉沢亮が演じ、トレーニングで習得した手話で家族やきこえないの人々と語らうシーンが多々ある。またコーダ作家による原作を映画化する上で、手話演出者、コーダ監修者が入り、手話監修協力として全日本ろうあ連盟が製作に参加している。ここまで徹底した「正しい表現」での映画製作もさることながら、いち家族の成長物語として多くの観客に自分事として感情移入させる描写の連続に心奪われた。

　物語の前半、ろう者の夫婦が子どもを授かるも、きこえないことで幼児の危険を察知できない事象が映し出される。それを補うのが祖父母なのだ。やがて小さな息子は車のクラクションに気づかない母親の手を引っ張るようになり、成長とともに当然のように母親の通訳として日常を過ごす。その子役達の演技にも釘付けだった。思春期からを吉沢が演じ、気づいて貰えない怒りを母親にぶつけていくのだ。このような母と子のギクシャクとした関係を見つめていたら、自分の両親や我が子の子育て期に思いを馳せ、胸が熱くなった。これが本作を万人に支持される作品へと昇華させた最大の要因だろう。

　この映画では多くのマジョリティである観客に、ろう者の世界を体感させようと音の演出もなされている。確かに同じ場所でもきこえる人ときこえない人では世界が違う。それを無音のシーンを作ることで観客に擬似体験させるのだ。作品の素晴らしさとは、俳優の演技、監督の演出、各部署とのチームプレイの結果だと個人的には思っている。そこを踏まえた上で、本作はスタッフすべての熱量をスクリーンから存分に浴びる愛の塊のような映画であった。　　（伊藤さとり）

批評家コメント

　あまりにも辛いラストに、これが完全なるフィクションだったらどんなに良かったのだろうと思わされる。しかし、これは実在した女性の物語であり、現実世界に起きている出来事なのだ。入江悠監督・脚本によって描かれた『あんのこと』は、実話を基にした重厚なストーリーとキャスト陣の熱演によって多くの観客に衝撃を与えた。

　本作の基となっているのは、ある少女の人生をつづった2020年6月の新聞記事。これを読んだ入江監督は「自分が作品にしなくては」と激しい使命感を感じ、一方で「自分が描いて良いのか」と葛藤しながらも作り上げたという渾身の一本。幼少期から母親に虐待を受け、売春をしながら一家の暮らしを支え、覚醒剤に溺れる21歳の杏（あん）を河合優実が演じている。

　冒頭のボロボロの姿に心が痛むが、杏は破天荒な刑事・多々羅との出会いをきっかけに更生の道を歩み始める。それまで光が宿っていなかった様に見える杏の瞳が、人々との触れ合いや様々な経験から明るく輝き始める。『あんのこと』は壮絶な人間ドラマであるが、映画を観終わって強く残るのは「杏が一生懸命生きていた」ということなのだ。

　私は杏の人生について、もう少し何かが違っていればとも思い、幸せになって欲しいと心から願うのだが、哀れだと思うことは無い。映画の中で杏が頑張って生きていたこと、そこに杏が存在していた重みは尊ぶべきものなのだから。入江監督が、杏を尊敬を持って描いているからこそ私はそう感じることが出来たのだ。

　入江監督は『SR サイタマノラッパー』や『AI崩壊』とジャンルは全く異なれど、どの作品でも変わらず“生きた人間”を描き続けている。自分の考えにキャラクターを当て込んでしまうというエゴが無い、真っ直ぐな眼差しを持っている方なのだと、尊敬してやまない。　　（中村梢）

批評家コメント

　“ふたつの世界”とは、原作者・五十嵐大の出身地である宮城県の小さな港町と、彼が青年期を過ごす東京という＜地方＞と＜都会＞のことであり、耳がきこえない両親のもとで手話を使って会話をする世界と、実家の外で手話を使わずに会話をする世界のことでもある。或いは、家庭内でも耳がきこえる祖父母と耳がきこえない父母に分かれているように、彼は常にふたつの世界を行き来しながら生きてきたことをも多角的に表現している。

　そういった「きこえない親のもとで育ったきこえる子どもたち」＝「コーダ（CODA）」という境遇で、自身が大多数ではない環境の側に心穏やかでなくなるという若さゆえの苛立ちを、吉沢亮の演技は静かに表出させている。喜怒哀楽を極力宥めながら、豊かな表情の変化も抑制。しかも、台詞の表現手段が手話であるという難しさが伴う。それにも関わらず、観客は彼の複雑な内面を映像から感じ取るのである。彼の手話による演技を見たろう者は、「覚えたてではない自然な手話で、しかもコーダらしい手話だった」と評価していると伝えきく。反抗期を迎えた五十嵐大が、手話を使うことを忌避した期間があるという細やかなニュアンスさえ感じさせるというのだ。

　手話は手の動きだけで言葉を表現しているのではない。その人の表情や視線、眉の動きや口の形、スピードやリズムなどが文法を形成してゆくのである。映画は＜第七芸術＞として視覚的な芸術だと評されてきたが、今作における吉沢亮の演技アプローチはその一端を担っているといえる。それは、耳がきこえる・きこえない人の特別な物語というよりも、己の価値観とは別の価値観があるという“ふたつの世界”を描いた普遍的な物語だと感じさせる由縁でもある。

　疎ましい気持ちが先行して、親に対して辛く当たったり、不機嫌な態度を取ったりして優しくできなかったという、誰しも経験したであろう後悔のようなもの。そういった普遍性を纏っているからこそ、終幕で吉沢亮＝五十嵐大と共に私たちの涙腺も決壊するのだろう。　　（松崎健夫）

批評家コメント

　雰囲気がある女優だ。役が河合優実を主張するのではなく、顔や声といった彼女の個性は彼女が演じる人物の個性になる。入江悠監督・脚本作品『あんのこと』の中で河合は、過酷な環境から脱し、自分を変えたい、誰かを守りたいと願い、自分の魂の声を叶えようとした女性・杏（あん）を誠実に生きた。

　タイトルカット後の場面から衝撃だった。「先に金だって！先、カ〜ネッ！」。覚醒剤を打ち、朦朧とした口調で、杏は売春客に金を要求する。クマがくっきり影を落とす顔。客の財布から金を取り出す手の動きも、警察で膝を抱えて椅子に座る姿も奇妙だ。河合はインタビューで「身体」という言葉をよく使うが、高校時代、ダンスから表現や創作の魅力を知った彼女にとって、身体と相談して役に息吹を吹き込むことは大切なプロセスなのだろう。

　入江監督の新作に主演することは決まっていたが、どんな役でどんな脚本になるかは後から決まったそうだ。貧困、母親の暴力、売春、ドラッグ。だが、それだけではなかった杏の21年の人生。河合に迷いはなかった。杏にも、自分にも「大丈夫」と言い聞かせたという。

　母親（河井青葉）は杏を殴り、蹴り、金を奪うだけでなく、杏の大事な物も壊す。やめようと努力していた覚醒剤を再び打ってしまう杏。杏にとって唯一の掴んだ藁だった刑事・多々羅（佐藤二朗）に「よーしよし、よし。大丈夫！」と抱き締められる場面。羞恥、悲しさ、惨めさ、薬の快楽、優しくされることへの戸惑い。全てが入り混じった感情が爆発するシーンには胸を打たれた。ラストに向かって、毒親から生まれても毒娘には育っていない杏の秘めた強さを河合は十分に理解していた。そして杏が歩いた光の部分をしっかり観客の心に刻んだ。

　デビューして6年。2024年は河合優実の年、ともいわれるほどヒット作や良作が続いた。ますます彼女の世界は大きく広がり河合は進化していくだろう。河合優実の人生のその瞬間を『あんのこと』に残してくれたことに感謝したい。　　（安田佑子）

批評家コメント

　綾野剛は、面白くて仕方がない。
　正直、『カラオケ行こ！』の演技も、原作のイメージにチャーミングさを際立たせていた点で、彼のユニークさが「MIU404」でも目にしたバディもので更に味わいを増すのだと実感していた。それが顕著に現れたのがオリジナル脚本の『まる』であり、確実に役に色味を与える俳優になっていたのだ。

　本作では、主演の堂本剛の掴みどころのない佇まいによる独特の空気感を声だけの出演でそのシーンにさざ波を起こし、姿を見せた瞬間に映画のカラーを変えてしまった。間違いなく横山というキャラクターは孤独な老人になるであろうところを、堂本演じる沢田との出会いによって方向転換できたとまで観客に想像させる演技を綾野は見せたのだ。しかもそこまでクセの強い演技をすれば主演を喰いかねないが、堂本とは違う色合いの輝きを放つことで、本作は後半からバディものへと変化していく。これは間違いなく、多くのバディ作品で相手の演技を受けてアプローチをする技を綾野が身につけたからできる表現だろう。

　加えて、綾野は、抑揚ある感情の出し方が実に上手いのだ。それを本作では存分に堪能できるのだが、これは声の音量から柔らかさ、テンポまで計算し尽くした結果といえる。推測するに、声を意識しながら演技を構築していったのではないか。本作で助演男優賞に、と思った理由はここにある。姿なき隣人の危険性は声だけで察することができ、登場するも人との距離感という概念がなさそうな様子に観客はこの男のヤバさを知る。やがて屈託のない笑顔に「悪人ではなさそうだ」と主人公と同じ目線で男を認識するようになる。更に素晴らしいのは、いつの間にか“面倒なタイプだが、居ないと少し寂しい”とまで思わせる人物として幕を引く点だった。

　一見、作り込めば簡単そうに思われがちな役だが、愛着を持たせるまでに演技で表現するには、役への分析と日頃からの人間への好奇心とリサーチが大切だ。何より、“役を愛している”ことが垣間見える屈託のない笑顔がスクリーンに焼き付いていた。この演技を評価せずにはいられない。楽しい映画体験を与えてくれた綾野剛に心から感謝する。　　（伊藤さとり）

批評家コメント

　森優作の演じた土居圭吾は、ミステリアスでなければならなかった。

　主人公・沙織里（石原さとみ）の弟であり、失踪した幼女の叔父であり、その幼女の失踪前に会っていた事件にいちばん近い人物として、土居は物語に存在する。彼は、事件にどう絡んでいるのか？　観客を混乱させる役でもある。何が本当で何がそうではないのか、捉えようによってはどちらにも傾くような、そんな繊細な演技が求められる役。表情はもちろん、声から伝わってくる感情も見事だった。

　森は、土居を演じるにあたり「通りがかりの市民みたいな素のままのトーン」を心掛けたという。たしかに、姉に何を言われても、テレビ局の取材を受けても、仕事先でも、事件に近い人物であるのに、最初は、どこか他人事のように振る舞っているように見える。一方で、孤独感が見え隠れし、その隙間からは純粋さもうかがえる。

　そして、土居がある行動に出たことで、姉弟そろって嗚咽するあの車中のシーンに繋がっていくわけだが、ずっと感情を抑えたミステリアスな演技をしていたからこそ、あの嗚咽が効いてくる。それまで彼が抱えてきた苦しみがあふれ出て、こちらも胸をしめつけられる。沙織里が投げてくる強烈な感情の塊を受けとめて、受けとめて、姉弟としてのクライマックスで分かち合う。感情の出し所の配分が素晴らしかった。

　物語を引っぱる主演を支える助演、主演を光らせる助演、石原の渾身の演技の裏側には、森の助演たる力が確実にあったといえるだろう。

　通訳になりたくて留学した英国で演劇に興味を持ち、帰国後、古厩智之監督のワークショップを経て映画『「また、必ず会おう」と誰もが言った。』に出演。それをきっかけに俳優の道に足を踏み入れた。さらに、塚本晋也監督作『野火』のオーディションで役を勝ち取り、出演作が増えていく。二十代半ばでスタートした俳優のキャリアは12年を迎える。ミステリアスな演技を手に入れた森優作の今後は期待しかない。　　（新谷里映）

批評家コメント

　とにかく泣かされてしまった。忍足亜希子の一挙手一投足に。
　その結果、賞をプレゼントしたいと審査員全員が思ったというのが正直な理由だ。感情を伝えるのは言葉でもなく表情そのものなのだ。そう確信したのは、彼女が画面に現れた瞬間からだった。幸せな笑みと無垢さも残るその表情は、子育てもなんとかなると信じて疑わないようにも見えた。まさに一点の曇りもない聖母のような女性。これぞ理想の母親像かと思ったが、そうではなかったことに好感を持てた。彼女は、我が子の泣き声や危険に気づけないので、両親が手伝っているのだ。きっと今までも周囲が手を差し伸べてくれたから、我が子にも自然と身の回りのことをお願い出来てしまう。そんな何処か頼りない母親を、品のある天真爛漫な女性として忍足は表現した。まさにひとりの女性が、子育てを通して母親になっていく様を映画に焼き付けていったのだ。

　『ぼくが生きてる、ふたつの世界』という作品は、コーダ少年の心の成長を描いているだけではない。母と息子の成長物語であり、親子だから甘えてしまう関係や、ろう者と聴者の世界で生きるコーダの思いを汲めない母親の無邪気さにも目を向けている。ここは呉美保監督と忍足の経験からの表現かもしれないが、完璧な母親なんていないということを理解した上での明子という母親像に恐れ入った。

　クライマックスで、大がホームで明子の後ろ姿を見つめながら、自分に向けられたその時々の母親の表情を思い出し、無償の愛に気づいて涙を流すシーンがある。ここは本作でいちばんの輝きを見せるシークエンスといえるが、忍足のすべての表情が愛に溢れているのだ。喫茶店での成長した息子と恋人のようにジョークを交わす茶目っ気ある表情や、車内で手話で語らってくれた息子に感謝する表情は幸せに満ちていた。我が子を案ずる表情や叱る表情、そして我が子を見つめシャッターを切る瞳には愛おしさが映し出されていた。どのカットにも全身に愛情を纏う母親として立つ忍足亜希子は等身大の母親の姿で、ただただリアルだった。このすべての演技に自分の母親を投影し、泣かされてしまった。　　（伊藤さとり）

批評家コメント

　ドキュメンタリー『大きな家』は小さな映画だ。この作品はとある児童養護施設に暮らす子供達の日常を映し出す。そこは子供達にとって家なのか。一緒に暮らす皆は家族なのか。食事を作り、入学式や卒業式に付き添う職員は親のようなものなのか。死別、病気、虐待、経済的問題等の事情で親と離れて暮らす彼らの答えは短く深い。筆者の無知から来るフィルターは溶かされ、鑑賞後に爽やかな余韻が続いた。

　今作の企画・プロデュースを務めた齊藤工は、旧知の仲である竹林亮監督の『14歳の栞』(21)を観て感銘を受けた。内容だけでなく、被写体である中学生達のプライバシー保護のため、配信、DVD化はせず劇場公開のみの作品とし、劇場で観客にそのメッセージを伝える被写体ファーストの哲学に。齊藤は以前訪れた施設の子供達をこの形でなら応援できるのではと今作の監督を竹林に依頼した。

　人は信じていない人間に自分の心は打ち明けない。ドキュメンタリーの取材・制作は人間力が試される。今作でも、竹林と少数の現場チームの子供達への向き合い方は真摯だった。竹林が彼らと過ごした4年という時間の中で心掛けたのは「こうなったらいいな、こんな画が撮りたい、と思わない」「追いかけたくても追い続けない」事だという。同時に劇場用映画として映像、構成、音、編集等の質も妥協していない。そんな欲張りで無欲な作品が完成した。

　『大きな家』もソフト化、オンライン配信の予定はない。劇場では観客に「子供達の未来のためにSNSでのネガティブな意見は遠慮してほしい」というメッセージが届けられた。齊藤はインタビュー記事の中で「製作側の誰一人、売上を目的としていないピュアな作品がひとつくらい劇場で公開されてもいいのではないか」と話していた。私達はそんなピュアな良品に賞を差し上げてもいいのではないかと考えた。　　（安田佑子）

批評家コメント

　一枚一枚の絵を作画するアニメーションは「偶然、映像に何かが映り込むということはあり得ない」という点で、実写作品とは異なる特性がある。映像に何かが描かれていたとすれば、それは意図されたものだということなのだ。

　そういった視点で『ルックバック』を観ると、映像の端々に映画独自の＜演出＞を見出せるのである。例えば、教室の壁に貼られた＜希望＞＜期待＞＜試練＞などと書かれた習字。これらの言葉は、その後の展開を予兆させるものであることが窺える。
　また、藤野が京本の絵に衝撃を受けるくだりでは、教室が無限に広がってゆくようなショットを積み重ねることによって、彼女の孤立感を表現。或いは、職員室で京本へ卒業証書を届けるよう担任教師が藤野に請うくだり。担任が藤野に丸筒を手渡す姿は、まるでバトンを渡すようなショットになっている。さらに、映画冒頭では手塚治虫監督の短編『JUMPING』（84）のような降下する視点で、観客を「ルックバック」の世界に誘う。こういった表現は、藤本タツキの原作漫画には存在しない。つまり、押山清高監督による映画独自の＜演出＞が、作品に介在しているということなのだ。それにも関わらず、原作漫画の印象と乖離していない点に驚かされるのである。
　コミックスを手に映像と比較すると、原作漫画には存在しない表現を加えることによって「ルックバック」という作品を補強しているようにさえ見えるからだ。原典に敬意を表しつつ、アニメーションにしか成せない独自の表現を追求しているのだと解せる。

　上映尺60分未満で均一料金のODS作品ながら20億円を超える興収を計上した点も重要で、満足度の高さから「料金が高い」との声がほぼ聞かれなかった。ここには映画興行の未来に対するヒントも隠されている。もうひとつ、原作漫画にはない描写がある。藤野の部屋の床には『アマデウス』（84）のDVDが確認できる。押山監督にとって藤野と京本の関係は、サリエリとアマデウスだという解釈なのだ。　　（松崎健夫）

批評家コメント

　規格外の新人監督が登場した。
独自で学んだ映画術で自由に作り上げた処女作『あみこ』がわずか20歳でベルリン国際映画祭に招待され、これは史上最年少と話題になる。
　最新作『ナミビアの砂漠』で、山中瑶子監督は新人ならではの斬新なショットと、まるでベテランの職人監督のような安定した映像を同時に観せてくれる。

　この作品のオープニングでは町田駅前の雑踏の中、カメラはロングショットから次第にヒロインのカナの軽やかに歩く姿にフォーカスされていく。思わず「上手いっ！」と叫びたくなる。そこから女性同士の他愛のない会話。とびっきり優しいカレシを差し置いて、別のイケメンとデート。そのすべてがリアルで今時の若者の息吹が潜んでいる。

　カナに扮するのは『あんのこと』でも素晴らしい演技を披露してくれた河合優実。この映画は彼女からのアプローチもあって実現したと聞く。いち早く山中監督に目を付けた河合優実と、本作スタッフの眼力にも恐れ入る。
　カナは男を裏切り、鼻ピアスを入れ、スマホとタバコを手放せない、いわばクズ一歩手前の現代人。しかもかまってちゃんでエキセントリック。男から見ると何ともめんどくさい存在だが、それでも次第に彼女に親しみを覚えてしまうのは河合優実のキャラクターと監督の手腕のおかげだろう。

　ストーリーは、女と男のリアルな日常をきめ細やかに描きながらも、エンディングが近づくにつれ、ケンカの途中で、そのケンカの映像をランニング・マシーンの上で走りながら、スマホで本人が見ているシーン等、思わず「ウソでしょ！」と思うようなシュールなシーンが連続する。一つの作品に繊細と大胆が平然と同居している。

　この作品はカンヌ国際映画祭に出品され、女性監督としてやはり史上最年少となる国際映画批評家連盟賞に輝いた。山中瑶子監督の次の一手に注目せざるを得ない。　　（島敏光）

批評家コメント

　冒頭シーン、合唱コンクールの地方大会で、歌う中学生たちを映すカメラのパンが齋藤の顔に吸いつくように止まる。瑞々しくキラキラしていてスクリーンが喜んでいる。

　齋藤潤は2024年に5本の映画に出演、それぞれで大きな存在感を残した。日本映画批評家大賞として、『瞼の転校生』や『からかい上手の高木さん』の、学校や社会のルールに窮屈さを感じている中学生（その中でもいつもモテてしまうタイプ）とは真逆の役を演じた『カラオケ行こ！』の齋藤（撮影当時15歳）に新人男優賞を差し上げたい。

　当時の齋藤は撮影が何日にもまたがる大きな役は初めてだったそうだ。聡実役の最終オーディションで監督の山下敦弘の気持ちは齋藤に傾いた。「一回目の時より齋藤くん、すごく良くなっている」。脚本の野木亜紀子は言った。「彼しかいない」。漫画原作者の和山やまも齋藤を推すつもりだったという。

　齋藤が演じたのは、歌が上手くなりたいヤクザの狂児（綾野剛）に「歌を教えてほしい」と頼まれる中学の合唱部部長・聡実。真面目で悪目立ちを嫌い、変声期で思うようにソプラノパートが歌えず苛立つ聡実にとっては完全に巻き込まれ案件だ。カラオケボックスで二人きり。恐怖で大きな黒目がキョロキョロ動くのだが、途中から自分でチャーハンを注文して食べたかと思えば狂児の歌へのダメ出しは軽くドヤ顔、という聡実というキャラを見事に変化させていく齋藤。この作品が持つ笑いのエンジンを綾野と一緒に加速させた。そして、聡実がヤクザに囲まれながらその純情を爆発させるシーンには泣けた。そこには等身大の15歳が映し出されていた。15歳の役を同じ歳で、自身も変声期という成長の過渡期にいた齋藤が演じた事で唯一無二の聡実になった。

　映画は観終わっても続く。聡実はもちろん、彼が映画で演じた人物たちがその後どう生きているか気になるように、俳優・齋藤潤が今後どんな映画人になっていくのか、とても気になる存在だ。　　（安田佑子）

批評家コメント

　幕末の社会状況と時代劇の現状とが奇しくも重なる『十一人の賊軍』。本山力が演じた“爺っつぁん”というキャラクターについて、「笠原和夫　人とシナリオ」（シナリオ作家協会・刊）に収録されている梗概の登場人物には、＜強盗殺人犯の老残の浪人小柴彦八郎、元長州藩槍術指南役＞との記述がある。
　今作ではその設定を踏襲しながら、“爺っつぁん”が長州出身の剣術家であることを映画の終盤で明かしている。素性が観客に伝えられていないため、物語が始まって暫くは彼がどのような人物なのか判らない。しかし、沈着冷静な佇まいから滲み出る異様な出立ちが、“ただ者ではない感じ”を表出させているのである。
　そういった静かな演技アプローチと、長い槍を駆使した流麗な立ち回りという「静と動」の対比は、“爺っつぁん”のキャラクターを際立たせている要因のひとつ。個性的な登場人物たちの人生が交錯する＜群像劇＞である本作において、抜きん出た印象を与える終盤の鬼気迫る殺陣。それは、本山力が東映剣会所属の俳優であることに、誰もが納得する由縁でもある。

　己の見聞や視野の狭さを言い訳にして、キャリアの長い映画人に対する“発見”を理由に＜新人賞＞を授与すること。つまり“新人扱い”することには、やや躊躇がある。ともすれば、失礼に当たるのではないか？そう思案してしまうからだ。
　とはいえ、『十一人の賊軍』の本山力には、世に知らしめたいと渇望させ、そういった遠慮を凌駕するような無双の存在感がある。斬られ役の先人・福本清三は、著書のタイトルに「どこかで誰かが見ていてくれる」と掲げたが、無個性であるはずの“斬られ役”である本山力の個性を私たちは高く評価したいのだ。
　斬られてしまうのであって、斬られにゆくのではない。そんな斬られ役の矜持が、奇しくも“爺っつぁん”に漲っている。生き残るためではなく、誇り高き人生の終え方を模索しながらも、決して諦めることなく全力で戦い続ける彼の姿は八面玲瓏だ。　　（松崎健夫）

批評家コメント

　『愛のゆくえ』で長澤樹が演じた“愛”は、笑わない、口数も少ない。一見、気弱く映るが、実際はとても強い。

　長澤は、映画『ちひろさん』やドラマ「First Love 初恋」で、すでに若手俳優としての存在感を示している。だからこそ、愛の、内に秘めたその強さをどう演じるのか、それがこの作品における長澤に課せられた挑戦であり使命だったはずだ。初主演作というプレッシャーも加わるなかで、孤独な少女の心の成長過程を繊細に力強く演じたことを、まずは讃えたい。

　人は、些細な悩みがひとつあるだけで、日々の生活に影響がおよぶ。愛には、短い期間にさまざまな出来事が降りかかる。複雑な家庭環境、学校でのいじめ、母親との死別、転校、家出、そして帰郷……。

　最初にスクリーンに映し出される愛の眼差しには、怒りや悲しみ、諦めのような感情が滲み出ている。しかし、母との別れを経て成長する。成長せざるを得ない環境に放り込まれることで成長するのだが、この映画の真ん中にあるのは、愛と宗介の互いの気持ちだ。母の不在をとおして、二人の気持ちが特別な繋がりとして描かれる。

　宗介に対する感情と向き合うことも愛の成長のひとつであり、難しいその感情を理解することも、演じることも、どれだけ大変だっただろうか。しかも、愛のセリフは決して多くはない。セリフに頼ることなく表情だけで伝える、演技の難易度はもちろん高くなる。

　長澤の芝居から終始感じていたのは、感情が滲み出ているということだった。たとえば、母の代わりになろうとする宗介に「大丈夫」だと語りかけるシーン。「おかえり」「ただいま」と言い合い、涙が静かにこぼれ落ちる。長澤の顔はほとんど隠れているが、顔の一部でも感情を伝えられると監督が判断したと思われるシーンであり、つまりは、彼女の芝居には特別なものがあると決定づけるシーンでもある。感情を滲ませるその才能は、この先、俳優としての揺るぎない存在感へと変わっていくだろう。　　（新谷里映）

批評家コメント

　まず、『徒花-ADABANA-』というタイトルがいい。「徒花」の語意──咲いても実を結ばない花＝無駄な花から導かれるこの映画のメッセージは、実は語意とは逆で、決して無駄ではない生命の価値。それを、人間が自分のクローンを作り育てる世界をとおして描いている。

　そもそもクローンという題材は、『アイランド』や『わたしを離さないで』、『アス』などでも使われているが、甲斐さやかがこの題材に着目したのはそれ以前、1996年に世界初の哺乳類のクローン「羊のドリー」が、スコットランドで作られたというニュース記事がきっかけだった。

　当時、甲斐は10代後半。羊のドリーができるのであれば、人間も可能なのではないかと思考をめぐらせたという。そして、1枚のガラスを隔てて鏡を見るように、自分ともうひとりの自分が向かい合っている絵が浮かび、短いプロットを書き留めた。その1枚のガラスは、映画のなかで象徴的に描かれている。

　井浦新の演じる主人公が、“それ（クローン）”と対峙することによってもたらされる心の変化の描き方もいい。セリフの一つ一つに重みと余韻がある。自分のクローンであるけれど、自分とは異なる存在と向き合うことで、人間とは何かを突き付けてくる、生きるとは何かを問いかけてくる。人間と自然、現実と記憶、幻想なのか夢なのか……さまざまな対比で不確かなものを映し出していく、その圧倒的な物語の力強さに驚嘆する。

　映画のなかで、“それ”の保有が許される背景には、未知のウイルスの流行による人口激減がある。現実の世界でも、新型コロナウイルス感染症によるパンデミックが起き、また先進国では少子化が加速し、一部の恵まれた上層階級の人間とそうでない人間の格差も拡大している。“ここではない何処か”の物語と私たちの生きる現実世界が地続きになることで、映画を観たあともずっと考える、考えたくなる。そんなリアリティとオリジナリティを併せ持つこの脚本を評さずに何を評すのか。日本映画の可能性を広げてくれる、優れた脚本だった。　　（新谷里映）

批評家コメント

　尊敬する黒澤明監督が私に「映画の善し悪しの大部分は編集にかかっている」と話してくれたことがある。
　脚本、監督、編集を手がける黒澤監督は「編集している時が一番楽しい」とも語っていた。
　それを聞いてからは、映画鑑賞の際は編集にも気を留めようと心がけているが、内容に夢中になってしまう質なので、なかなか難しい。黒澤監督は常々「映画は理屈で観ないで心で観てほしい」と語っているので、それはそれでいいのかなという思いもある。

　『ぼくが生きてる、ふたつの世界』の編集は一言で表現するなら「上品」である。奇をてらわず、シンプル。前半は心地よいテンポで、短いショットを繋いでいく。赤ん坊が幼児になり、学校に通うまでになる姿が、サクサクと描かれていく。その間に両親が共に聴覚障害者であるという事実も伝わってくる。吹きこぼれるナベの音も赤ん坊の泣き声も車のクラクションも聞こえない。不便だが、それでも温かな愛に包まれた家庭の様子が、無駄なく描かれていく。

　少年が青年となり、母と息子の確執が生まれ、新たなドラマが生まれる頃には、まるで観客に感情移入をする時間を与えるかのように、短かったショットが少しずつ長くなっていく。上京することが決まった後の電車の中から見える景色、就職活動の前日に写される衣装ケースのクローズアップ等のシーンに「さあ、どうだ！」という気負いが全くなく、すべてがほどよいのだ。
　フラッシュバック等の技法は一切使わず、ストーリーは時間軸にそってひたすらに進んでいく。このままエンディングを迎えるのかと思うと、最後の最後に長い回想シーンが、母と息子のかけがえのない時間を写し出す。

　この映画の編集を担当した田端華子は1994年に大阪に生まれ、ハリウッドに渡り映像について学んだと聞く。映画を映画たらしめるための最後の仕上げ。これからも多くの名作の誕生に貢献してもらいたい。　　（島敏光）

批評家コメント

　日本映画発祥の地である京都。そこにはまた「日本のハリウッド」と称され、草創期から日本の劇映画を支えてきた太秦という撮影所の聖地がある。かつて隆盛を極めた時代劇は、この太秦でその多くが生み出されていた。
　そして東映株式会社が生まれた翌年、1952年にこの地で東映京都撮影所に発足したのが「東映剣会」。殺陣技術集団である。

　70年を超える東映剣会の歴史を紐解いてみると、まさに「武士の本分」をみるような思いが去来する。以下は、とある武術家の宗師から聞いた印象的な言葉である。
　〜　戦うことが武士の本義。武士は戦うことで家族を、国を、義を守る。そのためには「常在戦場の備え」がもっとも必要なことである　〜と。

　時代が変われば社会も人の嗜好も変化する。東映もまた移り気な世間が望むエンターテインメントを、時流にあわせ世に送り出し続けてきた。時代劇映画からテレビ時代劇、任侠やヒーローものといった具合に。
　そのなかでもまさに底辺からプロダクションを支え続けてきたのがこの東映剣会である。ただただ、彼らは常に備え、自らを鍛え、そして様々な方法で役者たちの動き（アクション）を演出しながらも、常に殺される“斬られ役“に徹してきた。手に持つのは日本刀から拳銃、殴りあいのシーンまで実に様々。作品に合わせ繰り出される、その手数の幅の広さには本当に驚かされる。寡黙に役者をたてる彼らの姿は、自らの本分を全うする武士そのもののようだ。

　剣会としては、本筋の時代劇は冬の時期が長く続いたかもしれない。しかし近年、時代劇と現代劇をマッシュアップしたり、新しいタイプの時代劇の息吹を感じさせる作品が生まれたりしている。
　日本映画界には、この流れがさらに発展してほしいと切に望む。そしてまた、時代劇の伝統を次世代に引き継ぐような、ちゃんばらの良さを堪能できる作品にも期待したい。
　かつての先達たちもアイデアを出し合い、時代と共に観客を魅了する作品を生み出してきた。温故知新に見方を変えれば、時代劇は可能性が溢れるブルーオーシャンではないだろうか。　　（日本映画批評家大賞機構事務局）

批評家コメント

　お節介なおばさんや優しいお母さん、どこか陰のある謎の女性店員など、数々の映画・ドラマで素晴らしい活躍を見せてきた名優・根岸季衣。ホラー映画『サユリ』では、主人公家族の認知症の祖母役ということで、霊の毒牙にかかってしまうのか…と思いきや、特級幽霊も逃げ出す最強おばあちゃんだった！試写で鑑賞した際の興奮は今でもありありと思い出すことが出来る。

　本作は、押切蓮介の同名人気コミックを『貞子vs伽椰子』『コワすぎ！』シリーズの白石晃士監督のメガホンで実写映画化したもの。原作のコミックも、本格ホラーの前半パートと、幽霊を退治していくアクション後半パートでガラリと雰囲気が変わる所が大きな魅力であるのだが、実写映画はさらにそのギャップが激しく、根岸の熱演によって最高のシーンが連発されていく。

　夢のマイホームに移り住んできた仲良し家族を、一人ずつ呪い殺していく少女の霊。主人公・則雄以外の家族が次々と変死を遂げ、則雄の命も脅かされるが、突如覚醒したおばあちゃんの教えにより則雄自身も強く成長していく。幽霊を倒すためにはとにかく「命を濃くしろ」ということで、モリモリとご飯を食べ、体を鍛え、生命力を蓄えていく。孫祖母コンビの特訓シーンは『ベスト・キッド』の特訓シーンなみに爽快なのだが、その説得力は根岸自身が持っているパワーとエネルギーによって生まれているに違いない。また、覚醒後のおばあちゃんが独特のファッションをしているのだが、それは根岸自身からの「ジャニス・ジョプリンの様にしてみては」というアイデアからだったそう。演技力のみならず、演技にまつわる発想の素晴らしさにも脱帽である。

　1974年より活動をスタートし、数えきれないほどの作品に出演し、監督たちに愛されてきた根岸季衣。出演待機作も興味深いものばかりで、これからも命の濃いお芝居を観れることが楽しみで仕方がない。（中村梢）

批評家コメント

　だれが何と言ってもまずは「光子の窓」である。
　テレビの創生期、1958年から日本テレビで放送されたこの音楽バラエティ番組は、何ともオシャレで舶来の匂いがした。案内役は上品でアカ抜けた草笛光子。夢中になってテレビにかじり付いたものだ。ジャズ歌手だった父（笈田敏夫）が彼女と並んで画面に映る姿を見て、幸せな気分を味わったこともある。

　草笛光子は松竹歌劇団のレビューを皮切りに、様々な映画や舞台に進出。映画は『社長シリーズ』から『犬神家の一族』まで多岐にわたる。舞台ではミュージカル俳優のパイオニアとして、芸術祭賞を三度も受賞している。他にも紫綬褒章、旭日小綬章と数え上げればキリがない。

　「光子の窓」から70年近くの歳月が流れ、満を持して『九十歳。何がめでたい』に主演。原作者でエッセイストの佐藤愛子の日常をのびのびと演じている。断筆宣言をして、気ままに暮らそうと考える偏屈で頑固な作家と、何とか彼女に再び筆を執らせようとする編集者との戦いをユーモラスに描いている。原稿は書かないが、差し入れはいただく。わがまま三昧の年寄りを、世に愛すべき人物に仕上げているのは、草笛光子のキャラクターのなせる技。その堂々たる演技のおかげで、底抜けに明るく後味の良いコメディーに仕上がっている。
　続く『アイミタガイ』では物語の鍵を握る老婦人の役。後半のピアノ演奏のシーンでは、ロングドレス姿でしゃなりしゃなりと登場するのだが、これほどロングドレスがフィットする日本人には、まずお目にかかれない。
　最新作の『アンジーのBARで逢いましょう』では、再び主演を務め、謎のお尋ね者を楽しげに演じている。

　今、文句なしに日本で最も輝いている女優の一人。しかも91歳。だれにもマネることの出来ない唯一無二の存在。ただただ感服するばかりだ。　　（島敏光）

第34回

作品賞

ぼくが生きてる、ふたつの世界

監督賞

主演男優賞

主演女優賞

助演男優賞

助演男優賞

助演女優賞

ドキュメンタリー賞

アニメーション作品賞

新人監督賞

新人男優賞（南俊子賞）

新人男優賞（南俊子賞）

新人女優賞（小森和子賞）

脚本賞

編集賞（浦岡敬一賞）

松永文庫賞（特別賞）

ゴールデン・グローリー賞（水野晴郎賞）

ダイヤモンド大賞（淀川長治賞）